Conseils Devenir artiste du spectacle : où et comment se former ?

Les conservatoires à rayonnement communal, départemental ou régional permettent d'exercer une discipline artistique (musique, danse, art dramatique) dès l'âge de 3 ans. En fonction du nombre d'années de pratique, l'élève peut obtenir un brevet, certificat ou diplôme d'études.
Il est également possible de suivre un cycle d'enseignement professionnel d'une durée de 2 à 4 ans permettant d'obtenir le diplôme national d'orientation professionnelle (de niveau bac).
Dans le domaine du cirque, les écoles spécialisées comme l'École nationale des arts du cirque de Rosny-sous-Bois proposent un cursus de 2 ans aboutissant au brevet artistique des techniques du cirque (de niveau bac).

En matière d'études supérieurs, il existe des diplômes de référence tels que le diplôme des métiers des arts du cirque (de niveau bac 2) et le Diplôme national supérieur professionnel (DNSP). Ouvert depuis 2013 aux artistes de cirque, le DNSP concerne également les musiciens, danseurs et comédiens. Il clôture un cycle d’études de niveau bac 3/4 et est proposé dans les écoles supérieures de chaque discipline : École nationale supérieure des arts et techniques du théâtre à Lyon, Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, Centre national des arts du cirque de Châlons-en-Champagne…

Les formations proposées à l’université comme le master Théories et pratiques des arts vivants de l’université de Nice Sophia-Antipolis, permettent pour leur part l'acquisition de connaissances plus théoriques que pratiques. « Pour apprendre la technique, il est recommandé de s’orienter vers des structures comme les conservatoires nationaux supérieurs ou d'autres établissements dépendant du ministère de la Culture et qui permettent d’obtenir des diplômes tels que le DNSP, conseille Marina Nordera, responsable du master. Par contre, un master recherche comme le nôtre apporte une formation complémentaire pour élargir ses possibilités d’emploi et trouver des débouchés dans la transmission et l’enseignement, l’édition ou les institutions culturelles. » 

Il existe par ailleurs de nombreuses formations privées de théâtre, de musique ou de danse. Certaines sont de qualité, d’autres sont médiocres. La plupart sont chères. Avant de faire son choix et de débourser plusieurs milliers d’euros pour une formation, mieux vaut donc se renseigner auprès de professionnels du secteur (associations, syndicats, conservatoires...). 
Beaucoup plus abordables, les cours proposés par les mairies peuvent apporter un complément de formation aux artistes. « C’est une façon de se former à moindre coût. Personnellement, j’ai effectué de nombreux stages de danse et de théâtre dans des structures municipales qui m’ont permis d’affiner ma pratique artistique », souligne Nathalie Lages, échassière, jongleuse de feu et cofondatrice de la compagnie Arawak Crew. 

Bien connue des intermittents, l’Assurance formation des activités du spectacle (Afdas) finance de nombreuses formations de 3 à 4 semaines en moyenne pour s’initier à des techniques spécifiques ou se spécialiser (jeu devant la caméra, voix-off, doublage, techniques vocales, danse verticale, musique assistée par ordinateur…). « Contrairement à ce que beaucoup croient, pour avoir droit à une formation financée par l’Afdas, il n’est pas nécessaire d’avoir acquis les 507 heures (sur 10 mois de travail) requises pour être indemnisé par Pôle Emploi. Il suffit d’avoir deux ans d’ancienneté (c’est-à-dire avoir obtenu un premier cachet il y a au moins 24 mois) et de justifier de 48 cachets », précise Jean-Yves Boitard, le directeur du département du spectacle à l’Afdas.